Tiburón: 50 años del clásico que inventó el blockbuster
El rodaje imposible que acabó cambiando la historia del cine
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Hola, Batcuever,
Si pienso en una película que pueda estar en mi Top 5, pocas me vienen tan claras como Tiburón.
Medio siglo después, sigue teniendo ese poder extraño de ponerte nervioso con solo ver agua en calma. Y lo más curioso de todo es que nada salió como estaba planeado. El tiburón mecánico se rompía, el rodaje se alargaba sin control y Spielberg era un chaval de 28 años que no sabía si volvería a dirigir después de aquello.
Pero a veces el caos se convierte en arte. Y lo que parecía un desastre en 1975, acabó transformándose en una de las películas más influyentes de la historia.
Hoy vamos a bucear en sus detalles, en las curiosidades que la mantienen viva y en cómo consiguió inventar, casi sin quererlo, el modelo de blockbuster que todavía seguimos repitiendo cada verano.
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Un rodaje condenado… que Spielberg convirtió en oro
Spielberg lo tenía claro: quería rodar en el mar, nada de tanques en estudio. Esa decisión marcaría todo el rodaje. Martha’s Vineyard, en Massachusetts, fue el lugar elegido porque su fondo arenoso permitía colocar raíles para mover al tiburón mecánico. En teoría, un plan perfecto. En la práctica, un desastre.
El animatrónico “Bruce” se rompía cada dos por tres. Su piel de látex absorbía agua, los mecanismos se corroían con la sal, y a veces el bicho se hundía sin remedio. El rodaje previsto para 55 días se fue hasta 159. El presupuesto se duplicó. El equipo entró en pánico. Y Spielberg… bueno, Spielberg pensaba cada noche que su carrera acabaría ahí.
Pero de esa limitación nació la clave: mostrar menos al tiburón y sugerir más. Y ese giro narrativo, forzado por la técnica, fue lo que convirtió a Tiburón en una obra maestra del suspense.
La apertura como declaración de intenciones
La primera escena es ya un manual de terror. Una joven, Chrissie, corre hacia la playa, se desnuda y se lanza al agua de noche. En pocos segundos, la calma se rompe: algo la arrastra violentamente bajo la superficie.
¿Cómo lo rodaron? Con Susan Backlinie atada a arneses y cuerdas bajo el agua. Varios técnicos tiraban de ella en distintas direcciones para simular el ataque. Lo que el público veía era puro instinto: los gritos, los tirones, la impotencia de alguien atrapado por un depredador invisible.
El tiburón no aparece en pantalla, pero Spielberg ya nos ha enseñado lo esencial: el mar, que siempre había sido un lugar de ocio y libertad en el cine, ahora es un terreno hostil.
Dos notas que cambiaron la historia de la música de cine
Y aquí entra John Williams. Su tema principal es posiblemente el más sencillo de la historia: dos notas repetidas. Pero nadie había exprimido tanto con tan poco.
Williams sabía que lo que no se ve da más miedo. Así que convirtió su partitura en la presencia del tiburón. Bastaba escuchar ese “chan-chan” para que el público se tensara. La música avisaba antes que la imagen, generando un reflejo condicionado de puro pánico.
Spielberg lo contaba en entrevistas: al principio pensaba que Williams le estaba tomando el pelo. Hasta que escuchó esas notas junto a las imágenes. El tiburón tenía ya un rugido invisible, y era imparable.
Tres personajes, tres visiones del peligro
Más allá del tiburón, la película es un choque de personalidades.
Brody (Roy Scheider) es el hombre corriente, policía de un pueblo que teme por su familia y por la comunidad.
Hooper (Richard Dreyfuss) representa la ciencia, el optimismo racional que busca entender al depredador.
Quint (Robert Shaw) es la experiencia cruda, la obsesión de un cazador marcado por su pasado.
Su convivencia en el barco es tan peligrosa como el propio tiburón. Discuten, chocan, se desafían. Spielberg los retrata como tres visiones del miedo que solo podrán vencer si se unen.
El monólogo del USS Indianapolis
Uno de los momentos más escalofriantes no tiene tiburones en pantalla. Ocurre cuando Quint cuenta su experiencia como superviviente del hundimiento del USS Indianapolis, un hecho real de la Segunda Guerra Mundial.
El barco llevaba la bomba atómica que se lanzaría sobre Hiroshima. Tras ser torpedeado, cientos de marineros quedaron a la deriva y fueron devorados por tiburones. Quint recuerda cómo las aguas se llenaban de sangre, cómo los hombres desaparecían uno tras otro.
Ese monólogo, reescrito por el propio Robert Shaw, ancla la película en la historia y convierte a su personaje en alguien trágico, casi shakesperiano. No caza tiburones por dinero: lo hace porque el pasado lo persigue.
El verano que cambió Hollywood
Tiburón recaudó casi 490 millones de dólares y se convirtió en la película más taquillera de su época, inaugurando la era del blockbuster de verano. Su estreno masivo en cientos de salas y la campaña de televisión marcaron un nuevo modelo de industria.
El efecto en la cultura fue inmediato: las playas se vaciaron, el tiburón blanco pasó a ser visto como un villano y, al mismo tiempo, creció la fascinación científica por estas criaturas. Medio siglo después, su aleta sigue siendo un icono universal. Lo más increíble es que todo surgió de un rodaje caótico que Spielberg convirtió en oro: menos monstruo en pantalla, más imaginación en la cabeza del espectador.
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